O NEURÓTICO E NERVOSO WOODY ALLEN

Allan Stewart Konigsberg(o polêmico Woody Allen, 83 anos), cresceu numa casa ortodoxa do Brooklyn, na qual a principal língua era o ídiche, quando não o alemão. Na juventude, sofreu de claustrofobia e agorafobia – MEDO DA MULTIDÃO. Aos 30, era conhecido como um dos melhores comediantes dos Estados Unidos. Em 1997, aos 61, casou-se com a filha adotiva de sua ex-mulher, Mia Farrow. Seu relacionamento com a coreana Soon-Yi tornou-se fonte de polêmica não apenas pela diferença de idade entre os dois (35 anos), mas também por, na sequência, Farrow passar a acusá-lo de ter estuprado sua outra filha adotiva, Dylan, quando ela tinha 7 anos. Nada foi provado.

Bastante produtivo, Woody Allen é ao mesmo tempo criticado por produzir NADA INOVADOR. Seus longas trazem invariavelmente um clichê de um judeu nova-iorquino erudito, inseguro e melancólico. Ao longo de sua carreira no cinema fez dezenas de filmes, quase todos em Nova York, como sempre, com terapeutas, dramas judaicos e alguns distúrbios sexuais. E, invariavelmente, o próprio interpreta o personagem ou então alguém que se considera uma segunda versão de si próprio quando é encarnado por outro ator que é a semelhança cagada e cuspida dele. Em entrevista, Allen já confirmou sobre suas fraquezas: disse ser preguiçoso e pouco perfeccionista.

A primeira aparição de Woody Allen na televisão se deu em Tonight Show, sendo então descoberto pelo produtor Charles Feldman, que o encarregou de escrever e estrear em “O Que é Que Há, Gatinha, parodiando um filme de James Bond. Nessa época já mostrava admiração pelo Jazz e começou a tocar saxofone e clarinete. Em 1969, Allen estreou como diretor em “Um Assaltante Bem Trapalhão”. A este se seguiram: “Bananas” (1971), “Tudo Que Você Sempre Quis Saber Sobre Sexo, Mas Tinha Medo de Perguntar” (1972), “O Dorminhoco” (1973). Ainda em 1972, protagonizou junto com a atriz Diane Keaton o longa-metragem “Sonhos de Um Sedutor”, de Herbert Ross. A interpretação nessa comédia foi um marco de sua carreira.

Sua consagração como diretor vem em 1977, quando ele dirige a comédia dramática Noivo Neurótico, Noiva Nervosa, em parceria com a atriz Diane Keaton, com quem filma diversas produções. O filme ganha diversos Oscars e lança uma bem sucedida série de dramas introspectivos, com diálogos afiados, como Interiores (1978), Manhattan (1979), Zelig (1983) e A Rosa Púrpura do Cairo (1985). Os anos 1980, aliás, trazem alguns de seus maiores clássicos, explorando geralmente seus temas preferidos, como a cidade de Nova Iorque, a religião judaica, a psicanálise e a burguesia intelectual americana. Ele dirige Setembro (1987), A Outra (1988) e Simplesmente Alice (1990). Esta também é a fase em que ele trabalha muito com a atriz Mia Farrow. Com Tiros na Broadway (1994) e Poderosa Afrodite (1995), os anos 1990 começam a marcar uma mudança rumo às comédias paródicas e leves.

Indicado 18 vezes ao Oscar em diversas categorias e vencedor de um prêmio de melhor roteiro (por Hanna e suas Irmãs), Allen nunca havia comparecido a uma cerimônia de Oscar até que em 2002, após os atentados de 11 de setembro, resolveu fazer uma homenagem a Nova York no Oscar. Frasista espirituoso, eis esta pérola criada por Woody Allen: “A vantagem de ser inteligente é que podemos fingir que somos imbecis, enquanto o contrário é completamente impossível”…

Não é raro encontrá-lo circulando pelas ruas em Nova York e, às segundas-feiras, o diretor toca jazz em seu inseparável clarinete, nos hotéis de Nova York. Primordialmente, Woody Allen é autor de comédias ácidas e inteligentes, é vencedor de várias premiações do cinema. Allen é autor de vários livros em que mostra seu ácido e inteligente humor como Cuca Fundida(1971), Sem Plumas (1975), Fora de Órbita (2007), entre outros.

Segundo o jornal o Globo, Após ser colocado na geladeira pela Amazon, A rainy day in New York(Um dia chuvoso em Nova York), filme de Woody Allen rodado no ano passado, será lançado no dia 3 de outubro na Itália. Com a revelação, especula-se que o longa possa ser exibido no Festival de Veneza, em setembro. No entanto, com sua carreira praticamente encerrada por alegações de que molestou sua filha Dylan Farrow há quase três décadas, recentemente, Allen discretamente tentou vender um livro de memórias, de acordo com executivos de quatro grandes editoras, e foi recebido com indiferença ou duras negativas. É o que podemos chamar de fim de carreira de um famoso cineasta, roteirista, escritor, ator e músico norte-americano. Em que pese está em decadência, Woody Allen é aquele tipo de ator/cineasta que não tem meio termo: ou você ama ou você odeia… Eu adoro!!!

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MORREU DORIS DAY AOS 97 ANOS

Ontem, dia 13 de maio, segunda-feira, morreu a atriz Doris Day, ícone de Hollywood nas décadas de 1950 e 1960. A cantora e atriz morreu aos 97 anos, deixando reconhecido legado cinematográfico. Doris Day, que era americana, encantou-se aos 97 anos. Segundo a fundação que leva o nome da artista, ela morreu na manhã desta segunda-feira (13) em sua casa em Carmel Valley, no estado americano da Califórnia. Ela estava cercada por amigos e família. Ao longo da história, a indústria cinematográfica juntou duplas lendárias cuja química arrebatou o público. Entre tantas, destaca-se a dupla formada por DORIS DAY e ROCK HUDSON. Juntos trabalharam em três ótimos filmes: o primeiro se deu há exatamente 60 anos que foi Confidências à Meia-noite (1959). Logo depois vieram Volta Meu Amor (1961) e Não Me Mandem Flores (1964).

Com sorriso, simpatia e cabelos loiros, a atriz foi estrela de sucessos de bilheteria tanto como atriz quanto cantora. Gravou também para trilhas como a de “O Homem que Sabia Demais” (1956), filme dirigido por Alfred Hitchcock. A música era “Whatever Will Be, Will Be (Que Será, Será)“. Doris Day era considera pelos críticos de cinema da época como uma versão alternativa (e um pouco mais “inocente”) de Marilyn Monroe. Na década de 80 ela diminuiu o ritmo da carreira como atriz e cantora e Passou a se dedicar à proteção dos animais, com a criação de uma fundação. Atitude esta, que levou Brigitte Bardot (hoje com 84 anos) também a se dedicar e defender a natureza e os animais. Juntas lutaram muito pelo final das touradas e das brigas de galo, e pelo fim da criação de animais para a fabricação de casacos de pele.

Apesar de bonita e dona de uma voz incomparável entre as cantoras brancas, a carreira de Doris Day parecia irremediavelmente condenada a filmes regulares ou sofríveis. Em 1953 ela faz um faroeste intitulado, “Ardida Como Pimenta” não é uma comédia-musical apenas divertida. Doris, com a ajuda de Howard Keel transforma o filme num dos espetáculos mais hilariantes do gênero. A mulher indisciplinada, corajosa, fanfarrona e que atira igual a um homem, como num conto de fadas se torna sensível, meiga e irresistível como uma Cinderela. Conforme nos conta o cinéfilo Darci Fonseca, mesmo vestida com seu ensebado traje de couro cru, quepe da Cavalaria, botas e Colt no cinturão, a Calamity Jane de Doris Day não permite que o espectador deixe de ver nela uma muito atraente mulher.

Doris Day foi uma das maiores artistas, pelo seu talento natural, tanto em comédias, dramas e musicais que atuou. Não reconhecida em sua época. Muitos críticos não a apreciavam, foi prejudicada pelo estúdio, que não lhe davam papéis a altura de sua capacidade interpretativa e só escolhiam roteiros fracos, não condizente com seu talento. Os filmes (e os discos também), estão todos aí para comprovar o incrível talento de Doris Day. Sem dúvida uma das maiores estrelas do cinema de todos os tempos. E possivelmente a mais versátil. O faroeste-comédia-musical “Ardida Como Pimenta” foi o melhor filme de Doris Day até então (1953) e seu primeiro verdadeiramente grande sucesso de bilheteria. A canção “Secret Love” vendeu rapidamente um milhão de cópias e o LP com a trilha sonora do filme teve também grande vendagem.

Dançarina, cantora e atriz, a norte americana, Doris Day, se destacou na fase áurea de Hollywood, como uma das comediantes mais simpáticas e também como cantora, com uma das vozes mais agradáveis do cinema. Ficou conhecida como uma mulher independente e espevitada. Fez comédias de grande sucesso na década de 60, junto com o ator Rock Hudson. Doris Day atuou em filmes como “Confidências à Meia-Noite” (1959), “Volta, Meu Amor” (1961) e ao lado de James Stewart em “O Homem que Sabia Demais” (1956), de Alfred Hitchcok. Neste, ela cantava uma das músicas mais famosas na sua voz, a clássica “Que Será Será (Whatever Will Be)”.

Durante grande parte de sua carreira, Day reinou como a principal atriz nas bilheterias de Hollywood, era adorada pelo público que pagava para vê-la em musicais, comédias, filmes de suspense e faroestes. A estrela loura, cuja carreira abrangeu quase 40 filmes de 1948 a 1968. A renomada especialista em cinema Molly Haskel já a chamou de “A MAIS SUBESTIMADA E DESVALORIZADA ATRIZ DE HOLLYWOOD”. Os críticos, no entanto, eram menos fascinados pela atriz. Ela recebeu apenas uma indicação ao Oscar, justamente por “Confidências à Meia-Noite”, estrelado por ela e Rock Hudson.

Seu verdadeiro nome é Doris Mary Ann von Kappelhoff, ela estava reclusa há bastante tempo, quando passou a se dedicar exclusivamente à Doris Day Animal Foundation, organização que trabalha em prol dos animais, a atriz quase não apareceu na mídia nas duas últimas décadas. Apesar de ter provado seu talento nos filmes e nos musicais, ela ficou com fama de “careta” e “conservadora”. A atriz teve quatro casamentos e apenas um filho, Terry Melcher, que morreu em 2004. Após a tragédia, Doris decidiu se afastar dos holofotes.

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ALFRED HITCHCOCK: O MESTRE DO SUSPENSE

O britânico Sir Alfred Hitchcock (1899-1980) é o maior diretor de todos os tempos, embora a concorrência seja grande, como Woody Allen, Spielberg, Tarantino, John Ford e tantos outros… Uma vez que nunca ganhou um Oscar, é inegável que a grandeza de Hitchcock é reconhecida. Seus filmes, além de serem inovadores, são esteticamente perfeitos, bonitos, bem cuidados e com tramas envolventes. Uma lenda na história do cinema, diretor perfeito!!! Como aperitivo e acompanhado de um suculento tira-gosto vai aí, apenas o nome de 10 filmes dirigidos pelo fenomenal MESTRE HITCH, como era carinhosamente chamado: Janela Indiscreta, Trama Macabra, O Terceiro Tiro, O Homem Que Sabia Demais, Psicose, Um Corpo Que Cai, Pacto Sinistro, Festim Diabólico, Os pássaros e Disque M Para Matar.

Os filmes desse monstro sagrado do suspense são obrigatórios em qualquer coleção de cinéfilo. Hitch era fantástico em pensar nessa técnica formidável de gravar sem interrupções, por não haver vídeo teipe, coisas de mestre mesmo… Às vezes passa pela minha cachola, o que ele estaria realizando hoje com a ajuda da tecnologia, hein?!?!?! parece que um cinto de segurança te consome no sofá te gruda na cadeira de frente à tela do computador e não sai mais te deixando estático, comedido e mantendo o espectador, numa expectativa tensa e angustiante sobre o que pode acontecer. Ele carrega, por trás de sua aparentemente adorável figura bonachona um rastro de ódio, de obras-primas e de estórias que marcaram a mente coletiva de quem ama o Cinema como arte…

Hitchcock tem duas fases, a britânica e a americana; ele ficou mais conhecido pela última, pois estamos falando da indústria que é Hollywood. Mas, ainda na Inglaterra, ele já mostrava toda sua genialidade, comprovada em “Os 39 Degraus”. Sempre foi uma figura curiosa tanto na vida particular quanto na profissional. ao filmar Rebecca – A Mulher Inesquecível (1940), que ganhou o Oscar de melhor filme e deu para Hitchcock sua primeira indicação ao Oscar. Ele também foi indicado por Um Barco e Nove Destinos, Quando Fala o Coração, Janela Indiscreta e Psicose, mas nunca ganhou um Oscar. Em 1967, recebeu da Academia o prêmio Irving Thalberg, pelo conjunto da sua obra. Nunca ganhou um prêmio por melhor direção no Oscar, apesar de ter sido indicado 5 vezes.

Como costuma afirmar o cinéfilo norte-rio-grandense, Antônio Nahud, Ele é, possivelmente, o mais conhecido dos cineastas, cujo nome, por si só, resume um gênero cinematográfico. Possuidor de um estilo próprio, combinando criatividade e apurado domínio da narrativa, conduzia suas histórias com zelo, sem dar sinais de falta de imaginação. O estudioso de Hitchcock, o carioca Paulo Telles, a respeito de todo seu feito cinematográfico é taxativo em afirmar que, fica difícil escolher um favorito com uma obra tão magnífica, porém, Festim Diabólico (1948) seja um dos melhores. Na verdade, Todos os filmes de Hitch são brilhantes, mas sem dúvida este é o mais destacado por tão tamanho brilhantismo e, sem dúvida é filme obrigatório de qualquer videoteca que se preze, afirma o cinéfilo carioca.

Dono de uma obra respeitada na sétima arte, Hitchcock, como pessoa, não era conhecido por ser um diretor amigável com os atores com os quais trabalhava, para dizer o mínimo. Reza a lenda que, ao ser contestado por um repórter sobre a frase “ATORES SÃO GADO”, atribuída a ele, o cineasta teria rebatido: “Nunca disse que atores são gado. O que eu disse é que todos os atores deveriam ser tratados como gado”. Aliás, a atriz brasileira Eva Wilma não tem boas recordações de Alfredf Hitchcock. Dama do teatro, televisão e cinema brasileiro, a atriz Eva Wilma (hoje, com 85 anos), ela fez testes para o papel de uma cubana em Topázio, suspense lançado pelo diretor britânico em 1969. Eva Wilma relembra discussão com Hitchcock: “Ele começou a dialogar comigo e me provocar”.

Hitchcock estava precisando de uma atriz latino-americana para o papel de uma cubana no filme Topázio. Tirei as fotos e voltamos para o Brasil. Ele mandou pedir currículo, material filmado e mandaram me buscar. Lá fui eu de primeira classe, tentando ler aquele livro, Topázio, disse a atriz, ao lembrar da extensão do romance escrito por Leon Uris, que tem mais de 400 páginas. Uma das razões do arranca rabo entre Wilma e Hitchcock foi em razão dele e do maquiador exigirem seus SEIOS POSTIÇOS. Já em Hollywood, Wilma contou que sua audição não foi das melhores. “A preparação do teste foi quase traumatizante, muita coisa postiça”, relatou a atriz. “Por exemplo: os seios postiços. Eu falei: ‘Precisa? Está tão bom assim. Eles praguejaram: NÃO!!!.

Pois bem!!! Louvado e enaltecido como um dos maiores artesãos do cinema que deixa o espectador de cabelo em pé durante todo o tempo de projeção, elogiado pela crítica e reconhecido como influência por vários diretores, ele marcou profundamente a cultura cinematográfica. Seus filmes não apenas sobrevivem intactos ao tempo, mas mantêm o interesse de espectadores das mais diversas idades e formações. A oportunidade de conhecer ou rever suas obras não deve ser perdida por nenhum amante da Sétima Arte. Admirador que sou, este colunista/blogueiro, assim como os cinéfilos Telles e Nahud, também homenageia o espetacular mestre do suspense que realizava filmes com um cuidado único, uma paixão exclusiva e uma emotividade extrema disfarçada por um profundo e arrebatador domínio técnico. ALFRED HITCHCOCK não é um nome… é uma LENDA IMORTAL!!!

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TEMA DE LARA PARA DOUTOR JIVAGO

Dr. Jivago, filme que marcou a juventude de muita gente… Linda música para um lindo filme…

Dr. Jivago, com uma trilha sonora imortal como também uma saga muito linda ou uma narrativa espetacular, foi filmado em 1965 e conforme nos relata o pesquisador Paulo Telles, para encarnar o papel-título, caracterizado pelo seu desprendimento das coisas, refinamento e nobreza, a escolha recaiu sobre OMAR SHARIF que morreu em 2015 aos 83 anos, ator de grande força e presença. Geraldine Chaplin foi convocada para viver Tonya, esposa de Jivago, mas não demorou, suscitou imediatamente uma onda de comentários maldosos. Segundo as más línguas (e infelizes), o único mérito da atriz era por ser filha de Charles Chaplin e que toda sua arte resumia-se nisto. Contudo, estes boatos (por sinal, burros) foram desmentidos violentamente por David Lean, que afirmou tê-la escolhido pela excelente qualidade de seus testes feitos para o papel antes do contrato.

O filme conta sobre os anos que antecederam, durante e após a Revolução Russa pela ótica de Yuri Zhivago (Omar Sharif), um médico e poeta. Yuri fica órfão ainda criança e vai para Moscou, onde é criado. Já adulto se casa com a aristocrática Tonya (Geraldine Chaplin), mas tem um envolvimento com Lara (Julie Christie), uma enfermeira que se torna a grande paixão da sua vida. Lara antes da revolução tinha sido estuprada por Victor Komarovsky (Rod Steiger), um político sem escrúpulos que já tinha se envolvido com a mãe de Lara, e se casou com Pasha Strelnikoff (Tom Courtenay), que se torna um vingativo revolucionário. A história é narrada em flashback por Yevgraf de Zhivago (Alec Guiness), o meio-irmão de Yuri que procura a sua sobrinha, que seria filha de Jivago com Lara. Enquanto Strelnikoff representa o “mal”, Yevgraf representa o “bom” elemento da Revolução Bolchevique.

No filme há uma crítica severa a respeito do regime comunista. O cinéfilo Telles nos alerta para um detalhe importante: “Podemos notar também o discurso de crítica ao sistema socialista nas cenas anteriores e posteriores à revolução. Antes da revolução é mostrada uma Rússia com uma aristocracia rica, belos salões, culta e, até mesmo, despreocupada”. O que é verdade, pois o próprio Jivago é um médico e poeta aristocrata de sucesso. Após a revolução, todo o cenário e a sociedade até então elitista, se empobrecem. Inclusive Jivago, que perde as propriedades e acaba pobre e doente. Este percurso da trama descreve o senso comum de que o socialismo divide a pobreza e a miséria, corroborando ser um método político promotor da desgraça, assim mostra o filme do diretor David Lean.

O filme do diretor David Lean, em mais de 3 horas de projeção, comprime-se com o volumoso romance do russo Boris Pasternak, um dos primeiros escritores dissidentes da União-Soviética. Pasternak começou a escrever o romance em 1946 e levou dez anos para concluí-lo. Ao terminar, ficou inseguro se devia publicá-lo, pois a obra contrariava as normas ditadas pelo governo soviético para a literatura. Sem condições de publicar seu romance em terras soviéticas, o livro foi publicado na Itália a 23 de novembro de 1957, conseguindo rápida notoriedade em 1958, quando lhe foi conferido o Premio Nobel de Literatura. Infelizmente, por imposição do Kremlin, Pasternak não pôde aceitar a láurea, pois caso fizesse, isso poderia levá-lo à detenção em um campo de trabalho forçado na Sibéria.

A obra literária foi proibida na União Soviética até 1989, quando a política de abertura de Mikhail Gorbachev liberou a publicação do livro. Somente a partir daquele ano, os russos puderam conhecer a saga de Jivago através da literatura. Boris Pasternak morreu a 30 de maio de 1960 de câncer de pulmão, sem poder assistir ao estrondoso sucesso da adaptação cinematográfica de seu famoso e imortal romance. Na Rússia, Boris é mais conhecido como poeta do que como romancista, em virtude de o livro Doutor Jivago não ter feito sucesso na antiga União Soviética por motivos obviamente políticos.

Deixando o regime totalitário russo de lado, quem já assistiu a essa nobreza de fita deve se recordar de sua beleza plástica, seu elenco, a enormidade de sua história e a música(Tema de Lara), que até hoje ainda se ouve com todo o interesse de antes acompanhado de um reconfortante saudosismo. Na década de 1970/80 o filme foi uma febre ao ser lançado nos nossos cinemas, tudo isso, pela fama de sua trilha sonora. Essa exuberante película cinematográfica foi filmada na Espanha, Canadá e Finlândia. A música, composta por Maurice Jarre, assim como o filme, são dois espetáculos muito bem percebíveis pela sensibilidade humana. Transportando-nos ao passado ficamos a imaginar: quanta gente nesse mundão de meu Deus não foi levada ao altar para se casar ao som de TEMA DE LARA…

Ao se ouvir a relaxante melodia, Tema de Lara, os pensamentos flutuam no ar fazendo círculos através de suas notas, descrevendo o frio, a solidão de terras distantes e da beleza daquelas paragens. Na verdade, o tema dá um ar de saudades de um lugar que nunca se esteve lá. Pois bem!!! Embale a alma com essa harmoniosa valsa muito bem orquestrada e tocada no mundo inteiro, assistindo ao vídeo abaixo à saga de Lara e Yuri com lindas paisagens da Rússia, uma lição ou uma viagem de emoção pela cultura russa, seus poetas, escritores e sua história milenar…

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CINEBIOGRAFIAS DAS ATRIZES SUZAN BALL E SUSAN CABOT

Uma se chamava SuZan Ball e a outra SuSan Cabot, duas estrelas sob o signo da tragédia… Engana-se quem acha que naquele círculo de cinema em Hollywood permeia somente um mar de rosas, de glamour, de riqueza e de felicidade!!! Pois bem, amor impossível, holofotes de Hollywood, tragédia, triste(tristíssima!!!) a vida de Suzan Ball que parece mais uma telenovela ou um daqueles dramalhões mexicanos… Dentro do conto de fadas cinematográfico em que vivia, Ball encontrou seu príncipe ao conhecer o excelente ator mexicano Anthony Quinn. Só que ele era casado, e mesmo depois de um ano de romance proibido, não abandonou a esposa.

Dedicada à carreira, a jovem e linda SUZAN BALL seguiu em frente, tendo a oportunidade de papéis cada vez melhores. A sorte profissional caminhava em caminho oposto à de sua vida sentimental. Uma lesão no pé enquanto filmava em 1953 com o amor da sua vida Anthony Quinn foi o estopim para a série de infortúnios. Mais tarde foi informada pelos médicos de que haviam se desenvolvido tumores em sua perna direita. Em janeiro de 1954, aos 20 anos, recebeu a trágica notícia de que precisaria amputar a perna. Três meses depois – Já com o romance acabado com Quinn – tendo como convidados o casal Tony Curtis e Janet Leigh entre outras estrelas jovens, casou-se com o também ator Richard Long.

Conta-se que, longe dos musicais, tentou trabalhar na TV, veículo em que seu marido atuava. Só que as dores não pararam. No hospital, outro choque ao ser constatado que o câncer tinha alcançado seus pulmões. Pouco mais de um ano depois, em 5 de agosto de 1955 (mesmo dia e ano de Carmen Miranda), Suzan Ball faleceu aos 21 anos de idade. Em sua biografia consta que, suas últimas palavras foram “TONY” forma carinhosa com que se referia ao amado QUINN. Ele só se divorciaria uma década depois, se casando outras duas vezes.

No tocante a xará SUSAN CABOT, ela fazia muito sucesso no início dos anos 50. Conforme nos conta o cinéfilo Darci Fonseca, a Universal tinha sob contrato Audie Murphy, cuja especialidade eram os westerns e uma preocupação do estúdio era encontrar atrizes que não fossem muito mais altas que Audie. Susan Cabot tinha apenas 1,57m de altura e fazia um par ideal com o diminuto cowboy Audie Murphy. Juntos Audie e Susan atuaram nos faroestes “Onde Impera a Traição”, dirigido por Don Siegel; “A Morte tem seu Preço”; e “Traição Cruel”. Susan Cabot também atuou em “A Revolta dos Peles Vermelhas”. Já SUZAN BALL(que morreu com apenas 21 anos de idade), por sua vez, não ficava atrás e também participou de westerns como “A Grande Audácia” e “O Grande Guerreiro”, com Victor Mature.

A efêmera fama, talento e boniteza exagerada trouxeram novos pretendentes a SuSan Cabot que era uma das mais disputadas solteiras de Hollywood. Em uma festa, em 1959 Susan conheceu o REI HUSSEIN da Jordânia que se interessou por ela, convidando-a para reeditar a história de “O Rei e Eu” lá na Jordânia. Noticiou-se que Hussein ficara tão apaixonado que chegara a comprar um Rolls Royce para presentear Susan, mas não chegou a dar o presente pois descobriu que ela era descendente de judeus. Depois de Hussein, Susan passou a sair com um parente do Xá do Irã e com um número enorme de namorados, entre eles um playboy brasileiro chamada Francisco “Baby” Pignatari. Eram tantos os namorados de Susan que muito se especulou sobre quem seria o pai de seu filho Timothy Scott, nascido prematuramente em janeiro de 1964.

Ainda bastante bonita aos 40 anos, Susan Cabot casou-se com Michael Roman, jovem ator de apenas 25 anos. O casamento durou 13 anos, ocorrendo o divórcio em 1981, com Roman alegando que Susan era paranoica e tinha acessos de loucura. Em 10 de dezembro de 1986, Timothy, o filho de Susan que estava com 20 anos assassinou a mãe batendo-lhe na cabeça com halteres enquanto ela dormia. Susan estava com 59 anos e a suntuosa casa em que moravam estava totalmente deteriorada por falta de cuidados.

O filho dela foi condenado a apenas quatro anos de reclusão e a atenuante de seu advogado foi que ele sofria de doença mental agravada pelos sistemáticos abusos por parte de Susan, sua mãe. Timothy faleceu em 2003, aos 38 anos e sua paternidade sempre foi motivo de especulação, sendo atribuída tanto ao Rei Hussein da Jordânia (e não confirmada por motivos políticos) quanto a Marlon Brando, com quem Susan também se relacionava. A dúvida era motivada pelo fato de tanto Hussein quanto Brando depositarem mensalmente durante muitos anos razoáveis quantias de dinheiro na conta de Susan Cabot pois ambos acreditavam serem pais de Timothy. Susan Cabot jamais se pronunciou sobre o caso talvez porque nem ela tivesse certeza absoluta.

SUSAN CABOT e SUZAN BALL tiveram em suas vidas mais que a simples semelhança de seus nomes artísticos. Entre as muitas coincidências, a maior delas foram as tragédias que se abateram sobre suas existências. Ambas foram jovens morenas e bonitas, projetadas para se tornarem estrelas do cinema, praticamente na mesma época, o que levou muitos fãs até mesmo a confundir as duas “SUSANS”. As tragédias pessoais é que ajudaram definitivamente a saber quem era SuSan Cabot e quem era SuZan Ball. Ambas fizeram diversos westerns em suas curtas carreiras, ambas chamavam à atenção pela beleza de que eram possuidoras. Como afirma o crítico de cinema Darci Fonseca, Susan Ball e Susan Cabot foram duas atrizes de tristes histórias. Ambas exemplificaram com suas trágicas vidas como os sonhos realizados de se transformar em estrelas de Hollywood podem se transformar em tormentos.

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O CORCUNDA MORREU, MAS A CATEDRAL DE NOTRE DAME ESCAPOU

O Filme O Corcunda de Notre Dame é uma adaptação do clássico imortal literário do poeta, dramaturgo e escritor francês Victor Hugo (1802-1885), tendo como protagonista a deslumbrante atriz irlandesa Maureen O’ Hara, mulher esplendorosa, de rosto anguloso, olhos graúdos verdes e belos, lábios bem firmes numa face cheia de vida e dona ainda de um corpo perfeito e sem qualquer exagero. Neste filme a bela atriz Maureen O’Hara viveu a fascinante CIGANA ESMERALDA. Como costuma afirmar o cinéfilo carioca Paulo Telles, “Maureen foi a mais bela ESMERALDA das telas”…

A projeção cinematográfica retrata a coexistência do grotesco e do sublime e, ao mesmo tempo, as fronteiras que os separam, constituem-se em ponto de partida do cruel romance medieval escrito nos idos de 1831. Como nos revela o pesquisador filmélico do Rio Grande do Norte Antonio Nahud, a história é centrada no coxo e corcunda QUASÍMODO Adotado pelo diácono Claude Frollo e vivendo na Catedral de Notre Dame, ele enfrenta uma série de peripécias por conta de um amor não correspondido pela bela e sedutora cigana Esmeralda. Frollo, colocando em risco o seu celibato, também se apaixona por ela, mas são duas formas de amar diferentes. QUASÍMODO ama-a generosamente, enquanto Frollo nutre uma paixão desesperada, repleta de desejo sexual. No entanto, Esmeralda não corresponde ao amor de nenhum dos dois.

Quanto ao livro sua publicação é de 1831, a obra, que também é conhecida pelo nome de Notre-Dame de Paris, é considerada um romance histórico. No livro(ao contrário do filme), o escritor NÃO centraliza a história somente na tradicional Catedral, mas traça um panorama de toda a sociedade parisiense medieval. Entre outros aspectos, apresenta personagens de diversas camadas sociais como os nobres, os ciganos e os monarcas.

O tempo em que a história se passa é o ano de 1482 e o local é a cidade das luzes, Paris. O cenário em que as ações ocorrem é a Catedral de Notre Dame localizada à margem do rio Sena. A imponente catedral de linhas góticas fora construída no ano de 1330, e Exercia funções além das religiosas, como dar abrigo a refugiados, aceitar órfãos, entre outros excluídos. No que se refere aos personagens, o escritor apresenta fidalgos, representantes clericais, mendigos e ciganos. Na época em que a obra se passa, o soberano do país era Luís XI.

A sequência do drama gira em torno do personagem Quasímodo que era um homem com deformações físicas severas, mais feio que a fome!!! Além de possuir uma enorme corcunda, pois tinha deformações nos rostos, braços e pernas. Foi abandonado pelos pais ainda bebê. O padre Claude Frollo decidiu levá-lo para catedral de Notre Dame. Vivia afastado da sociedade e temido pelos habitantes locais. morava enclausurado desde a infância nos porões da catedral. Sua função única e exclusiva era tocar o sino, ofício que acabou por destruir sua audição. Mesmo assim, Quasímodo era fiel ao padre, e foi ao atender a um oportuno pedido de seu protetor que ele conheceu Esmeralda.

A obra de Victor Hugo teve várias adaptações para o cinema, entre elas O Corcunda de Notre Dame (1939 – preto & branco) e O Corcunda de Notre Dame: O Filme (1997). A versão de 1997, colorida, que é um gênero de terror, romance e drama é perfeito, desde os cenários, figurinos, e claro, tendo de sustento as atuações de Richard Harris e Salma Hayek, além de um roteiro bem próximo a proposta do imortal escritor. Entre essas duas versões, o filme é muito bem feito, com atores competentes em suas interpretações. Tanto Maureen O’ Hara em 1939 quanto Salma Hayek em 1997, dão um show de interpretação e de belezura em todo decorrer das gravações.

No campo da literatura Victor Hugo é considerado o maior poeta romântico da França e um dos seus maiores prosadores. Produziu várias obras-primas, entre elas o romance medieval O Corcunda de Notre Dame (1831). A história é centrada na tragédia do corcunda Quasímodo(palavra que significa indivíduo deformado, monstrengo), e da cigana Esmeralda. É no interior da grande catedral gótica e nos labirintos das construções de Paris que se desenrola a terrível história de paixões impossíveis de seus personagens.

O livro, ao longo das 500 páginas da edição brasileira comentada e ilustrada, sob a tradução de Jorge Bastos, podemos acompanhar a fluência de Victor Hugo ao criticar o rumo que a desigualdade econômica dava para as relações sociais da época, bem como a necessidade de reflexão no que diz respeito aos abusos do clero e as generalizações conceituais sobre amor, amizade e outra coisitas mais. Duramente criticada, a Igreja Católica, vista como uma instituição tão poderosa como o Estado, é apontada como abusiva e autoritária, crítica que só um escritor tão privilegiado socialmente poderia fazer sem medo de perder prestígio, e, consequentemente, todos os seus leitores.

No livro, Victor Hugo reuniu magistralmente em seu famoso romance religiosos e vagabundos, ciganos e nobres, padres e leigos, heróis e vilões. Com poderosa imaginação criadora, Hugo desperta em seu leitor as mais variadas emoções: do profano ao sagrado, do grotesco ao sublime. Já no que diz respeito à tela, na maioria das versões cinematográficas podemos classificar como um filme de interpretações memoráveis e trilhas sonoras fabulosas. A reconstituição da Paris da Idade Média é perfeita. O filme poderia até ter mudado de nome: ao invés de O Corcunda de Notre Dame por que não O Corcunda de Victor Hugo?!?!?!

UM ADENDO QUE SE FAZ NECESSÁRIO: – Em face do fato lamentável que foi o incêndio da Catedral da Nossa Senhora de Paris na qual havia muita história contida naquelas paredes históricas, por serem monumentais e majestosas e que deixam um vazio na França e no resto do mundo pelo significado da igreja que beirava os 900 anos de existência, todos hão de convir que nem tudo está perdido.

Pois bem!!! Enquanto os bombeiros ainda resfriavam a Catedral de Notre Dame, uma família francesa, a Arnault, dona da grife Louis Vuitton, desembolsou R$ 875 milhões para reconstruir a catedral; a brasileira que mora em Mônaco, Lily Safra, viúva do dono do Banco Safra fez uma doação de 80 milhões; outra empresa francesa de cosméticos, L’Oréal, doou 200 milhões de euros, e o mundo todo está chegando junto.

Parabéns a esses ricaços que não têm escorpiões nos seus respectivos bolsos. Quem doou à causa da reconstrução o fez por sentir nostalgia por uma parte da história da civilização ocidental. Agora, há quem diga ou defenda que essas doações deveriam ter ido para os MISERÁVEIS de Victor Hugo e não para o Corcunda de Notre Dame… FAZER O QUÊ?

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O REI DOS REIS

Em 1961, o diretor Nicholas Ray realizou uma das obras mais importantes da Vida de Jesus Cristo, um tributo à iconografia cristã. Na verdade, uma bela representação através de imagens. Conforme nos conta o cinéfilo Paulo Telles, o diretor traz para esta fita o seu EVANGELHO CÊNICO, HIERÁTICO, POLÍTICO, GRAVE, e COMOVENTE…

Ao contrário do que geralmente ocorre em outras versões da Paixão, REI DOS REIS inicia sua narrativa 63 anos antes do nascimento de Jesus, quando os romanos sob as ordens do General Pompeu (Conrado San Martin) invadem Jerusalém e conquistam o território. Por meio de um prólogo, narrado brilhantemente por Orson Welles (1915-1985), vemos a tomada da Judeia pelo exército romano e a nomeação do Rei Herodes (Gregoire Aslan) como uma espécie de interventor local. Inicia-se a perseguição ao povo judeu, que resiste com a crença de que a salvação está na vinda do Messias.

Assiste-se neste filme, KING OF KINGS, a vida de Cristo contada com rigor histórico. Da manjedoura em que nasceu na cidade de Belém para a adoração de milhares de fiéis espalhados pelo mundo, a vida de Jesus Cristo (interpretado por Jeffrey Hunter) foi inegavelmente repleta de grandes acontecimentos. Acompanhe em O Rei dos Reis, dirigido por Nicholas Ray e escrito por Philip Yordan – adaptado de nada menos que o Novo Testamento. Você verá seus milagres, os pilares da construção de sua igreja, a escolha dos Doze Apóstolos, a última ceia, a traição de Judas, o humilhante julgamento em praça pública conduzido por Pôncio Pilatos, a crucificação e a ressurreição. Para os cristãos, é uma grande chance de ver seu líder espiritual. Para toda a humanidade, a oportunidade de aprender mais sobre a vida de um dos ícones religiosos mais importantes da História. O Rei dos Reis tem música do vencedor do Oscar Miklos Rozsa e narração de Orson Welles.

Excelente atuação do ator Jeffrey Hunter que é o Jesus definitivo do cinema. Outro fato marcante é a bela trilha sonora, uma das melhores já compostas para esse tipo de épico. O filme é lindo e a trilha sonora original mais linda ainda. Muito interessante, principalmente por se concentrar mais no lado político da história. Portanto, não há problemas se o público não for religioso. Ele pode ser puramente visto como um filme político, mas o diretor não esqueceu em momento algum de incrementar uma boa dose de drama a partir do nascimento, até a vida e morte. um bom filme sobre a história milenar de Jesus Cristo, o Homem de Nazaré.

A película de mais de duas horas tem bons momentos, incluindo a eloquente sequência do Sermão da Montanha, o julgamento de Cristo (parece até que todo o filme foi feito em razão desse momento), e o emotivo evento que foi a crucificação. O USO DA COR VERMELHA, uma constate na filmografia, além de um deslumbrante cenário de uma terra esturricada na região da Espanha com um chão apedregulhado, também chamam muito atenção do telespectador. E as qualidades param por aí. Caracterização dos personagens, ritmo, alguns diálogos mais simplórios, além de outros elementos, elevam esta obra muito mais do que deveria.

Eis a declaração do ator que interpreta Cristo, Jeff Hunter, sobre seu sacro papel em REI DOS REIS (1961): “Senti minha responsabilidade crescer à medida que o filme prosseguia, e sinto-a ainda mesmo que o filme tenha terminado. Não creio, entretanto, que sou maior conhecedor de Cristo do que qualquer outra pessoa. Minha educação religiosa foi como a de qualquer criança americana. Conhecia a Bíblia, é claro, a história de Jesus era sagrada, mas nunca havia pensado muito sobre ele como pessoa, de carne e sangue, como um homem que viveu neste mundo como nós vivemos, entre pessoas e em um tempo não diferente dos atuais. Ao estudar o script, e enquanto prosseguia minha pesquisa, comecei a compreender pela primeira vez o significado de Sua vida e o que os seus ensinamentos trouxeram ao mundo”.

Para a escolha dos cenários, a produção optou pelas paisagens desérticas da Espanha que foram escolhidas em razão dos locais, entre pequenas aldeias e montanhas, lembravam a Palestina de 2000 anos, e pareciam reproduzir conjunturas adequadas para o filme. Cerca de 326 cenários foram construídos nos estúdios e ao ar livre. Como relata o historiador Paulo Telles, a cidade de Nazaré foi reconstituída em Manzanares, e um rio próximo de Andrea Del Fresno serviu para representar o Rio Jordão, onde João Batista batizou Jesus. Mas para a cena ao ar livre considerada o Climax Maximus do filme, “O SERMÃO DA MONTANHA”, estiveram presentes na filmagem 7.000 figurantes. Foram construídos cerca de 60 metros de trilhos ao longo das encostas. A cena, talvez o “sermão” mais espetacular de todas as fitas que tem como tema a Vida de Jesus, foi rodada em três dias. Ao longo da projeção, o “Sermão da Montanha” de Rei dos Reis leva apenas quinze minutos.

Apesar da temática política do filme, ele nos oferece belos momentos de amor e fé através das mensagens solenes de Cristo. sem dúvida, é um esplendoroso monumento épico bíblico em seus 168 minutos de projeção, e mesmo passado quase 60 anos de seu lançamento, ainda é incapaz de arranhar o fervor das plateias a santificada imagem de Cristo. Em tradução simultânea, o filme REI DOS REIS, pode ser considerado como o maior tratado de libertação de consciências. Sem purpurinas, mágicas ou utopias…

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O EVANGELHO SEGUNDO MATEUS

Pesquisando o que escreveu o historiador de filmes épicos, Paulo Telles, chegamos ao ano de 1964, e no deparamos com o diretor italiano Paolo Pasolini, MARXISTA e ATEU, quando lança O Evangelho Segundo São Mateus, a versão mais polêmica (ao lado de A Última Tentação de Cristo, de 1988, de Martin Scorsese) da vida de Cristo. Sem a aura de santidade expressa em Rei dos Reis (1961) de Nicholas Ray, A Maior História de Todos os Tempos (1965) de George Stevens, e Jesus de Nazaré (1977) de Franco Zeffirelli. Neste filme o CRISTO é um Messias bárbaro, um agitador das massas que usa seus sermões em defesa dos oprimidos, com o intuito de transformar um mundo socialmente injusto.

O leitor poderá perguntar por que um ATEU se interessar em filmar a vida de Jesus Cristo. Muito simples: a figura de Cristo exercia nele uma fascinação não religiosa, mas poética e política. E em Cristo ele admirava sua poesia, força, e carisma. Apenas não aceitava Jesus conforme a Igreja Católica e a teologia, mas acreditava que a mensagem de Jesus conforme o Evangelho de Mateus era revolucionária, ao passo que, para o cineasta italiano, Cristo era uma personalidade corajosa, rebelde, e revolucionária tal qual sua mensagem. Era o Cristo que ia salvar o povo não das penas do inferno, mas da própria ignorância do ser humano.

A película épica que tem a duração de mais de duas horas segue de maneira fiel os textos de Mateus sobre todas as etapas da vida de Cristo, de seu nascimento à ressurreição. O Cristo pasoliniano( referência feita ao cineasta e escritor italiano Pier Paolo Pasolini), no entanto, é revolucionário, mais HUMANO que DIVINO, com muitos traços de doçura e que reage com raiva à hipocrisia e à falsidade dos homens. A obra prima de Pasolini, consegue, com recursos limitados realizar um filme belo, cativante e intenso. Uma forma poética em alguns aspectos de se contar a história de Cristo, já conhecida por muitos. É um filme simples, belo e poético e político também!!!

A Igreja e os fiéis censuraram o diretor italiano Pasolini pela falta de doçura do intérprete de Jesus, no entanto era um Cristo destinado a ser um nativo rebelde à prepotência colonialista profeta apocalíptico da riqueza ilícita, de açoite em punho fazendo a reforma agrária para perplexidade e horror dos falsos pregadores e beatos apegados à propriedade privada. Pasolini põe as melhores parábolas e ensinamentos na boca de seu intérprete principal, ora doce, ora feroz, tudo emoldurado por uma fotografia linda e trilha sonora espetacular, trilha esta que, além do erudita, traz até um emocionante blues de raiz, para quem prestar bastante atenção.

O Evangelho Segundo São Mateus traz uma figura que repassa seus ensinamentos, mas ao mesmo tempo é reacionário, gritando por muitas vezes, humano, chorando em outros momentos, assustador, sussurrando acontecimentos futuros. Todos já conhecem a história bíblica e Pasolini é extremamente sagaz ao se aproveitar disso para contar uma história sutil, sem muitos diálogos em seu início mas de uma profundidade enternecedora. No filme, Jesus não é apenas um barbudinho bonitinho de olhos azuis, com cara de coitado e fala mansa. De fato, Cristo foi muito mais do que isso. As Suas palavras eram afiadas como espadas, provocavam as paixões humanas, e mudaram o mundo para sempre. E a fita capta essa essência, sem sentimentalismo barato, sem enfeites ou rodeios.

É curioso que, recentemente, há cerca de pouco mais de 10 anos, o Vaticano tenha elegido o filme como o melhor sobre a vida de Jesus quando que na época do seu lançamento não foi bem visto por eles. Como já disseram é realmente espantoso que o melhor filme sobre Jesus (por muitas pessoas e até mesmo o Vaticano) tenha sido feito justamente por Pasolini(UM ATEU CONVICTO!!!). Há quem diga que o filme perde alguns pontos pelo elenco amador, pois é justamente o contrário, vê-se que esse é o ponto mais bonito do filme e que torna ele mais especial e comovente, é o povo representando o povo, é ter um Jesus com algumas características diferente do que temos em mente e acho que com elenco profissional não teria a mesma força.

Como não poderia deixar de ser, houve protestos violentos contra o filme, e a EXTREMA DIREITA jogou ovos podres no Palácio do Festival de Veneza durante seu lançamento, que, paradoxalmente, acabou ganhando o prêmio do Escritório Católico Internacional de Cinema, e cuja obra foi dedicada à memória de João XXIII, por Pasolini considerá-lo o papa mais próximo das ideias progressistas do evangelista Mateus, que procurou mostrar Jesus Cristo para os judeus como o Messias esperado, o Messias das profecias, enfim, o Messias do povo.

Há quase um quarto de século, mais precisamente no ano de 1995, quando o cinema completou 100 anos de existência, esta obra de Pasolini foi inclusa entre os 100 melhores filmes de acordo com o Vaticano, que elaborou uma intensa lista, na categoria de Religião, ao lado de obras como A Vida e paixão de Nosso Senhor Jesus Cristo (1905) de Ferdinand Zecca, Nazarín que é um filme de drama mexicano de 1959 de Luis Buñuel, e Ben-Hur (1959) de William Wyler.

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A ÚLTIMA TENTAÇÃO DE CRISTO

Prestes a terminar o Século XX, uma das obras cinematográficas mais polêmicas de todos os tempos estava por vir das mãos de Martin Scorsese. Trata-se de um livro lido por ele intitulado de A Última Tentação de Cristo, de Nikos Kazantzakis (1883-1957). SCORSESE, que durante sua juventude chegou a ser seminarista, leu com muito interesse a obra do escritor grego, que ao morrer, não pôde ser enterrado em solo sagrado pela Igreja Ortodoxa Grega. E após concluir a leitura, não demorou para que Scorsese pudesse fazer um filme saído do romance de Kazantzakis (que para quem não sabe, também escreveu ZORBA, O GREGO, levado para o cinema com Anthony Quinn).

Há quem diga que A Última Tentação de Cristo é um dos melhores filmes já feitos sobre Jesus Cristo e um dos poucos a ir além do que está nos textos sagrados. É o que podemos chamar de um trabalho magistral que humaniza Jesus (em uma atuação primorosa e apaixonada do ator Willem Dafoe), que apenas exalta a mensagem da importância do sacrifício que ele tem que fazer pela humanidade. Ao não seguir fielmente a Bíblia e adaptar o romance homônimo, SCORSESE tece um estudo sobre a fé e sobre sacrifícios. História visualmente inventiva e deslumbrante. um dos melhores e mais corajosos filmes do diretor Martin Scorsese. Genial!!!

Conforme reza a sinopse, JESUS (Willem Dafoe) é um carpinteiro que vive um grande dilema, pois é quem faz as cruzes com as quais os romanos crucificam seus oponentes. Resumindo, Jesus se sente como um judeu que mata judeus. Vivendo um terrível conflito interior ele decide ir para o deserto, mas antes pede perdão a Maria Madalena (Barbara Hershey), que se irrita com Jesus, pois não se comporta como uma prostituta e sim como uma mulher que quer sentir um homem ao seu lado. Ao retornar, Jesus volta convencido de que é o filho de Deus e logo salva Maria Madalena de ser apedrejada e morta. Então reúne doze discípulos à sua volta e prega o amor, mas seus ensinamentos SÃO ENCARADOS COMO ALGO AMEAÇADOR, então é preso e condenado a morrer na cruz. Já crucificado, é tentado a imaginar como teria sido sua vida se fosse uma pessoa comum.

O filme apresenta uma narrativa muito boa em um roteiro honesto e cativante. Willem Dafoe fantástico, em uma atuação absolutamente perfeita. Diálogos interessantes e uma abordagem convincente e digna, mostrando JESUS como, antes de qualquer coisa, um homem com suas dúvidas e receios, e ao mesmo tempo ciente de sua importância. O elenco no geral está muito bem e coeso com a proposta. O filme às vezes fica um tanto teatral e conceitual, mas no conjunto é uma excelente projeção cinematográfica que vale ser conferida independente de crenças religiosas, pois levanta questões humanas muito significativas.

O historiador de cinema Ivanildo Pereira nos mostra o seu conceito com a seguinte teoria: Filmar o livro “A ÚLTIMA TENTAÇÃO DE CRISTO” de Nikos Kazantzakis foi um projeto dos sonhos do diretor Martin Scorsese por muitos anos. Ele finalmente conseguiu realizá-lo por uma ninharia e o apoio surpreendente do estúdio Universal, que já se preparava para a controvérsia. O livro mostrava um retrato mais humano – e porque não, mais plausível – de Jesus Cristo. Um Cristo com dúvidas, reticente e relutante do seu papel como salvador, e tentado pelo amor terreno por Maria Madalena. Durante a crucificação, ele tem um sonho de como seria sua vida caso não cometesse o sacrifício supremo pela humanidade.

O filme conta com as participações especialíssimas do rockstar David Bowie, como PÔNCIO PILATOS, e o excelente Harry Dean como o APÓSTOLO PAULO. Destaque para a direção primorosa de SCORCESE, indicada ao Oscar da categoria, Willem Dafoe como o conflituoso e atormentado Cristo e Barbara Hershey como uma ardente e apaixonada Maria Madalena {indicada ao Globo de Ouro de melhor atriz coadjuvante}. A espetacular trilha sonora de Peter Gabriel, indicada a um Globo de Ouro da categoria, é um show à parte e contribui enormemente ao conjunto da obra, em um dos poucos casos, em matéria de cinema contemporâneo, onde música e imagem se complementam de forma única e não parecem descoladas uma da outra.

Em suas pesquisas o cinéfilo Paulo Telles encontrou e nos conta que, antes mesmo do seu lançamento em várias partes do mundo, já havia protestos. Tudo porque a obra de Kazantzakis não apresenta a figura de Cristo como um “REI DOS REIS” de acordo com os Evangelhos Oficiais da Igreja, mas sim, como um homem simples que tem a missão de carregar seu destino de semideus, quando manifesta como qualquer outro mortal seus desejos e fraquezas, inclusive o seu desejo de se apaixonar.

Vários grupos religiosos rejeitaram o filme. No ano de 1988, um grupo fundamentalista cristão francês lançou coquetéis molotov no interior do teatro Saint Michel, que estava exibido o longa. Treze pessoas ficaram feridas, quatro das quais foram severamente queimadas. Já o teatro foi muito danificado, só sendo reaberto 3 anos depois. Em alguns países, como a Turquia, México, Chile e Argentina, o filme foi proibido ou censurado por vários anos. Até julho de 2010, o filme continuou a ser proibida nas Filipinas e Singapura.

Ao assistir essa película, nos vem à mente a figura feminina de Maria Madalena, pois de todas as personagens Bíblicas, talvez seja àquela mais deturpada, encoberta por inverdades divulgadas ao longo dos séculos pela Igreja, pelos textos Bíblicos e por errôneas interpretações. Paralelamente às inverdades, uma outra história tem sido contada de modo sublinear pela arte ao longo de mais de dois mil anos de história Cristã e, também, pelos textos apócrifos. Quem quiser se aprofundar na figura enigmática de MARIA MADALENA aconselho dar de garra do livro O CÓDIGO DA VINCI, de Dan Brown. Livro este, que percorreu o mundo, sendo lido por milhões de pessoas. Em meio a uma história de suspense, o autor insere algumas das verdades, que ao longo do tempo, estavam sendo ocultas. VALE A PENA LÊ-LO!!!

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O GRANDE E ANTOLÓGICO FILME OS DEZ MANDAMENTOS

Os Dez Mandamentos, um filme datado do ano de 1956, em qualquer época nos deixa impressionado com toda essa grande narração épica, em todo e qualquer aspecto em que isso possa ser considerado, é atemporal e apaixonante. Esplendorosos cenários, belíssima fotografia, interpretações “admirantes” de Charlton Heston e Yul Brynner, com um roteiro primoroso que justificam estar incluído na maioria das listas de filmes indispensáveis de todos os tempos. O diretor CECIL B. DEMILLE(o mesmo de Sansão e Dalila) com seu perfeccionismo ilimitado criou um filme inesquecível. Atuações, cenários, paisagens e efeitos especiais de enlouquecer qualquer espectador seja ele cristão ou não.

Em que pese a pieguice religiosa, às vezes até irritante, os filmes épicos seduz os cristãos no mundo inteiro. O lendário Cecil B. DeMille é o diretor por excelência desse gênero. As superproduções como “Ben-Hur” ou “A Queda do Império Romano” são títulos lembrados quando se pensa na epopeia dos reis e heróis bíblicos. Esse gênero cinematográfico abrange proporções grandiosas, tempos turbulentos e personagens nobremente heroicos. Geralmente a trama se centra em metas ou buscas, muitas vezes de fundo religioso ou político, pois esse tipo de projeção cinematográfica alcançou o seu ápice nas décadas de 50 e 60.

Em sua sinopse que é baseada no Velho Testamento nos mostra que, Moisés, criado desde bebê pela filha do faraó, cresce e se torna príncipe do Egito. Ao descobrir sua verdadeira origem, ele decide libertar o povo hebreu da escravidão egípcia, sendo guiado por Deus diante dos inimigos e obstáculos que surgem durante esse caminho. Ou seja, A épica vida de Moisés (Charlton Heston), desde recém-nascido, quando foi colocado nas águas em um cesto e acabou sendo adotado por uma princesa egípcia, até quando descobre sua real condição e decide liderar seu povo que, escravizado pelos egípcios, anseia pela liberdade.

Como afirma em suas pesquisas o cinéfilo Paulo Telles, a primeira escolha para interpretar Moisés na segunda versão de DeMille foi o astro cowboy William Boyd (1895-1972), velho amigo do diretor e famoso por ser o destemido herói cowboy Hopalong Cassidy em dezenas de faroestes “B’” das décadas de 1930 a 1950, entretanto ele recusou. Logo, veio a ideia do diretor em escolher um jovem e promissor ator com quem trabalhara dois anos antes, em um outro espetáculo que rendeu a ele não somente boa bilheteria, mas também o Oscar de melhor filme de 1952: O Maior Espetáculo da Terra. Este jovem era CHARLTON HESTON, no esplendor de sua forma física aos 30 anos, casado e com um filho recém-nascido (que fez participação no filme como sendo o “bebê Moisés” encontrado pela filha do faraó.

Os dez Mandamentos tornou-se também no mais longo filme da carreira de DeMille, 220 minutos (a versão de 1923 tinha 136 minutos), E O ÚLTIMO DE SUA LONGA TRAJETÓRIA. E de quebra, a refilmagem concorreu a sete Oscars (inclusive de melhor filme), mas acabou somente ganhando por efeitos especiais, obra do competente John Fulton, onde repetiu com os mais modernos efeitos especiais possíveis para 1956 a proeza de dividir o Mar Vermelho para que o grande líder Moisés (Charlton Heston) pudesse escapar com seu povo do exército do faraó Ramsés (Yul Brynner) e atingir o Monte Sinai.

Pra época, há mais de 60 anos, o filme é muito avançado. Fica evidente, que hoje, o formato e a tecnologia são muito mais avançadas. Mas, claro, sem tirar qualquer valor, do diretor DeMille, que teve garra de, com mais de 70 anos, jogar numa tela tudo aquilo. ele é grandioso mesmo. Ele é fantástico e tudo àquilo é muito bem feito. Hoje, com a tecnologia que dispomos, no filme, as pragas seriam melhor e mais claramente mostradas. Apesar de, ou se bem que: a praga do granizo que vira fogo o DeMille fez perfeito, assim como a água do Nilo ficar tinta como sangue. Bons truques para 1956, sem falar na abertura do Mar Vermelho que, mesmo com tantas falhas de artifícios, ainda é um truque e tanto.

Neste filme o veterano cineasta, aos 70 anos, cumpriu o trato de produzir coisa de qualidade. Tornou-se o filme mais caro da história da PARAMOUNT, mas acabou se tornando o maior êxito comercial do estúdio, que faturou uma fábula em milhões de dólares só no mercado norte-americano. Por isso é correto dizer que com o cinema de Cecil B. DeMille, a Sétima Arte descobriu como a fé além de remover montanhas, também poderia produzir o milagre da multiplicação de renda. Esta grandeza de fita que é Os Dez Mandamentos é um DEZ!!!

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